Modedesigner Zac Posen stellt sein Label ein.

Design, Fashion, professionals

Am Freitag, den 1. November 2019 wurde in einer veröffentlichten Pressemitteilung überraschend verkündet, dass das Label von Wunderkind Zac Posen „House Of Z“ alle seine Aktivitäten mit sofortiger Wirkung einstellt.

Zac Posen war Anfang der 2010er Jahre der Fashion Newcomer schlechthin. Seit seinem Abschluss am Central Saint Martins Collage of Art and Design und seiner ersten Modenschau 2001, vernetzte er sich in Manhattens künstlerischem Establishment und schon bald kleidete er Promis wie Natalie Portman, Naomi Campell oder Rihanna ein.

Bekannt war Posen vor allem für seine dramatischen Abendkleider, die in aufwendigster Handarbeit konstruiert und in seinem New Yorker Atelier gefertigt wurden. Komplizierte und komplexe Konstruktionen, aufwendige Drapierungen und der Einsatz von neuen Technologien waren Zac Posens Markenzeichen und der Grund, warum viele in der Fashion Branche in so hohen Tönen von ihm sprachen. Seit 2012 war Posen außerdem für 6 Staffeln in der TV-Show „Project Runway“ , in der Heidi Klum neue Designtalente suchte, Juror. Nebenbei begann er gleichzeitig mehrere erfolgreiche Partnerschaften, unter anderem mit Brooks Brothers, die der Marke zu mehr Popularität verhalfen.

Doch weshalb musste das Label trotz der großen Beliebtheit schließen?

Wie in jeder Branche geht es auch in der Modebranche um Geld. Doch Geld machte Zac Posen nicht genug mit seinen aufwendigen Haute-Couture Kreationen mit denen er die Promis einkleidete. Finanziell unterstützt wurde Posen über die Jahre von der Venture-Capotal-Gesellschaft Yucaipa Companies. Seit April 2019 versuchte diese nun Ihre Beteiligung am Modelabel zu verkaufen, doch leider erfolglos. Nach einer gründlichen finanziellen und strategischen Überprüfung des Unternehmens von Zac Posen, kam der Vorstand zu dem Entschluss, dass das Label seine Aktivitäten einstellen müsse. Kurzerhand wurden alle 60 Angestellten entlassen und die Fashion Welt erhielt die überraschenden Neuigkeiten am 1. November 2019. 

Zac Posen selbst äußert sich erschüttert über das Ende seines Labels, verspricht jedoch, sich nicht zurückzulehnen und die Zeit des Zwangsrückzugs zu nutzen um eine “Neue Gemeinschaft” wieder aufzubauen.

Quellen:

https://fashionunited.de/nachrichten/business/modedesigner-zac-posen-stellt-sein-label-ein/2019110433548

https://de.wikipedia.org/wiki/Zac_Posen

Hussein Chalayan Professor an der HTW

Uncategorized

Am 1. November 2019 wurde mit der Pressemitteilung das Mysterium um den neuen Professor der HTW gelüftet. Der renommierte, in London ansässige, Modedesigner Hussein Chalayan übernimmt eine Professur im Studiengang Modedesign an der HTW Berlin. 

Hussein Chalayan, der Avantgarde-Designer schlechthin, ist nun verantwortlich für das Lehrgebiet „Grundlagen Gestaltungsbasis und Entwurfsprozesse“. Der Schwerpunkt seiner Arbeit mit den Student_innen wird bei Innovation und Nachhaltigkeit liegen. 

Chalayan selbst ist fasziniert von Innovation und Transformation, sein Label mit welchem er in den letzten 25 Jahren experimentell ausgefeilte und spektakuläre Shows dargeboten hat, bringt nicht nur kommerziell erfolgreiche und tragbare Kleidung hervor, sondern auch einzigartige Showpieces mit welchen er in der Mode- und Kunstszene bekannt geworden ist. Viele seiner Kreationen sind in Museen auf der ganzen Welt ausgestellt. 

In Zentrum von Chalayans Tätigkeit an der HTW Berlin werden angewandte interdisziplinäre Forschung und praxisnahe Kooperationsprojekte mit der internationalen Modebranche stehen. Was in Anbetracht seiner bisherigen, sehr avantgardistischen Kreationen für die Student_Innen sehr Interessant werden könnte. Er arbeitet selbst interdisziplinär und neben seinen Modekollektionen hatte Chalayan zahlreiche Einzelausstellungen, brachte 2001 das „C Magazine“ heraus, führte Regie bei Kurzfilmen, entwarf Bühnenkostüme und kollaborierte mit internationalen Unternehmen sowie Ingenieur_innen und Künstler_innen aus den verschiedensten Bereichen.

In der Pressemitteilung sagte er „Ich fühle mich geehrt und freue mich, diese neue Rolle an der HTW Berlin zu übernehmen. Ich freue mich auf die Arbeit mit neuen Möglichkeiten als Teil des Expert_innenteams der HTW Berlin“. Sowohl die Hochschule als auch die Metropole Berlin seien der richtige Ort um konzeptionell und künstlerisch zu arbeiten und Ideen umzusetzen. 

Um an ein paar der bekanntesten Kreationen des türkisch-zyprischen Designers zu erinnern, kommen einem zum Beispiel die folgenden Kollektionen in den Sinn. Die Herbst/Winter-Kollektion „Afterwords“ aus dem Jahr 2000, in welcher die Models beispielsweise Sitzbezüge, Couchtische und Stuhl inklusive in tatsächlich tragbare Kleidungsstücke verwandelten. Oder die Frühjahr/Sommer Kollektion von 2016 in welcher der Designer Kittel aus Papier auf dem Laufsteg mit Wasser in Form einer Dusche hat verschwinden lassen, so das darunter kristallene Partykleider zum Vorschein kamen. Ebenso die Frühjahr/Sommer Kollektion von 2017 in welcher die „Motion Dresses“ präsentiert wurden, welche durch moderne Technologie immer wieder ihre Form auf dem Runway änderten. 

Das und noch vieles mehr hat Hussein Chalayan in den letzten Jahren vollbracht, da bleibt es nur spannend zu sehen was er in der Zukunft neues vor hat und was er uns Studierenden mit auf den Weg geben kann. 

Quelle:

https://www.elle.de/designer/hussein-chalayan

https://www.vogue.de/mode/artikel/ein-besuch-im-archiv-von-hussein-chalayan

https://www.htw-berlin.de//hochschule/aktuelles/news/news/chalayan-wird-professor-fuer-modedesign/

Puma Design Sprint

Fashion, karriere, Wettbewerb

Der Puma Design Sprint ist ein Programm zwischen ausgewählten Universitäten wie dem London Collage of Fashion, Creapple in Paris, Instituto Maranfoni in Mailand und auch unserer Hochschule, der HTW Berlin. 

Studierende der ausgewählten Bildungsstätten haben die Möglichkeit sich bei Puma auf einen der exklusiven Plätze des Puma Design Sprints zu bewerben und zwei Tage im Headquarter von Puma in Herzogenaurach neue Ideen zu entwickeln.

Bei dem Design Sprint haben die Student_innen die Chance in kleinen Teams mit den DesignerInnen und dem Global Creative Director von Puma, Torsten Hochstetter, an einem Projekt zu arbeiten und ihre Fähigkeiten zur Schau zu stellen.

Auf Grundlage der eingereichten Arbeiten bei der Bewerbung wurden die Studierenden zwei Monate vor dem Design Sprint in die entsprechenden Projektgruppen eingeteilt.

Diese arbeiteten in den Bereichen Motorsport, Women’s Business, Running and Training und Teamsport. In der Vorbereitungsphase hatten die Studierenden Zeit ihren Research für die kommenden Projekte zu bewältigen und Designkonzepte zu erarbeiten und sich über neue Technologien, Stoffe und Materialien zu informieren.

Während der zwei Tage im Headquarter von Puma präsentieren die Studierenden ihre Ideen und Gedanken, welche sie in den letzen zwei Monaten zum Thema „How would you Envision Sportswear Design in the Future?“ erarbeitet haben.

Nach eineinhalb Tagen des Brainstormings, Skizzieren und Entwerfen wurden die Ergebnisse Puma präsentiert. Dort hatten die Student_innen auch die Möglichkeit ihr eigenes Portfolio einzubringen und ihre Arbeit und Fähigkeiten zu bewerben.

„With the Design Sprint we want to maintain an ongoing dialogue between key design universities and design students on a global level to foster and grow design talent for PUMA’s creative future.“

TORSTEN HOCHSTETTER, GLOBAL CREATIVE DIRECTOR

Copyright PUMA 2019
Copyright PUMA 2019
Copyright PUMA 2019

Quellen:

Bilder Copyright PUMA 2019

Modische Zeitreisen und experimentelle Arbeitstechniken auf der Langen Nacht der Wissenschaften

Uncategorized

Am 15.06.2019 präsentierten die vier Modeabsolventinnen Atefeh Farzandi, Carla Renée Loose, Esther-Helin Bienroth und Nayeon Kim, ihre ausgefallenen Endprojekte auf der Langen Nacht der Wissenschaften.
Jede Kollektion basierte dabei auf einem anderen Thema.


Mit viel Liebe und Kreativität zauberten sie ihre Kollektionen aus ungewöhnlichen Materialien und mit ideenreichen Arbeitstechniken. So gab es Outfits und Accessoires mit aufwendigen Oberflächengestaltungen und komplizierten Schnitttechniken zu bewundern.

Paradox

Atefeh Farzandi beschäftigte sich unter dem Titel „ Paradox“ mit ihrem Heimatland, dem Iran und ihrer tiefen Verbindung zu diesem. Aber auch mit den Vorurteilen den die Medien in Europa über das Land verursachen. Sie möchte die Vielfalt ihrer Heimat zeigen und ihre Kultur von mehreren Seiten beleuchten.

Dies zeigt sie einerseits mit transformierbaren Outfits, wie den, aus traditionellem Stoff gefertigten Schleier, der ein buntes Futter birgt, das das Outfit von einem schlichten grauen Schleier im Hand umdrehen in ein fröhliches Kleid verwandelt. So, sagt sie, hat auch die iranische Kultur zwei Seiten, die es beide wert sind betrachtet zu werden. Andere Schleier sind ganz durchsichtig, mit bunten Blumen bedruckt, um zu zeigen, dass man sich die Dinge nicht durch einen Filter ansehen sollte, wie man auch eine Kultur nicht durch den Filter der Medien sehen und beurteilen sollte.

Doch auch mit Worten aus geschriebenen Gedichten, bringt Atefeh uns ihr Thema näher. Einzelne Zitate wie: „Sillouetten der Frauen“ oder „Liebkosen“ und „ Schoss“ verarbeitete sie in ihren Outfits.

So vereinigt sie Tradition mit Mode und zeigt uns dabei eine neue Seite des Iran.

Es war alles Gegenwart, die Zukunft fand ausschließlich in Science Fiction statt

Carla Renée Loose thematisierte mit ihrer Kollektion, die den Titel „Es war alles Gegenwart, die Zukunft fand ausschließlich in Science Fiction statt“ trägt, die Idealisierung der Jugend. Sie beschäftigt sich mit den Wunsch der Gesellschaft nach ewiger Jugend und warum wir Menschen so sehr danach streben. Dabei kommt sie zu dem Schluss, dass es der Wunsch nach Einfachheit und weniger Verantwortlichkeit ist, der uns nach Jugendlichkeit streben lässt und dass das Bedürfnis nach Abweichung und Unvernunft in paradoxer Weise, in zwanghafter Aufrechterhaltung der äußerlichen Jugendlichkeit resultiert.

Ihre Kollektion spielt mit dieser Idee und zeigt einerseits das Jugendliche, Experimentelle und Verspielte, doch im Kontrast dazu das Inszenierte und Oberflächliche. So wirkt ihre Kollektion als ein Ganzes und sollte als ein solches betrachtet werden. In ihren Outfits visualisiert sie die intensive Emotionalität der Jugend im un-idealisiertem Zustand. Während sie in Accessoires in Folie eingepackte Stickereien präsentiert, die die konservierte Jugend darstellt. Die Oberflächengestaltungen sind der Schwerpunkt ihrer Kollektion. So findet man mit viel Liebe bestickte Stoffe, aufwendig gestrickte Oberteile und kunstvolle Faltentechniken in ihren Outfits.

The Importance of Being Nothing

Esther-Helin Bienroth’s Abschlussarbeit „The Importance of Being Nothing“ bringt eine neue Denkweise in das Thema Stress und Überforderung. Sie stellt die Idee einer multiplen Persönlichkeitsstruktur vor, die aus der ständigen Selbstoptimierung resultiert. In einer Visualisierung stellt sie diese Persönlichkeiten in einen Raum um einen Dialog zu beginnen.

Zu Grunde liegt dieser Idee ihre kritische Sicht auf die heutigen Medien und ihre stetig wachsende Wichtigkeit in unserem privaten und aber auch beruflichen Leben. Der ständige Vergleich zu anderen, der uns unter Druck setzt und den Künstlern die Kreativität nimmt. Sie selbst hat sich von Instagram entfernt und beschlossen bei ihrer Kollektion mit nichts zu beginnen und ganz und gar bei sich zu bleiben. Denn man darf den Bezug zum selbst nicht verlieren. Sie konzentriert sich bei mit Artfremden Material, die sie aus dem Kontext geholt einsetzt, auf die Reduzierung. Doch auch ihre Persönlichkeiten tauchen als Gesichter, in Drucken oder als Accessoires immer wieder auf. Auch mit Abdrucken, wie zum Beispiel die Kleider derer Personen, die sie unterstützten, findet man als Oberflächengestaltung in ihren Outfits.

Sie möchte eine Gegenbewegung zum Konsum und somit den Protest gegen die Ausbeutung der Kreativen beginnen.

Zeitreise von Joseon zu Seoul

In ihrer Kollektion „Zeitreise von Joseon zu Seoul“ beschäftigt sich Nayeon Kim ebenfalls mit ihrer Heimat. Wie ihr Titel es bereits verrät, kann man in ihrer Kollektion sowohl traditionelle koreanische Schnitte als auch moderne Elemte, wie von den modischen Converseschuhen inspirierte Schnürrtechnicken bewundern.

Der Schwerpunkt ihrer Kollektion ist jedoch ihre interessante Technik, ihre gezeichneten Bilder zu Mode zu machen. Sie wandelt nicht nur ihre Bilder zu Prints um, die sie auf Samt drucken lässt, sonder „zeichnet mit ihren Schnitten“. Dabei wird der Stoff zur Farbe, die Nähmaschine zum Pinsel, ihr Outfit zur Kunst. Auch mit 3D Effekten bringt sie uns zum Staunen. So ist die Stadt auf ihrer Kleidung zum Greifen nah. Das schnelllebige Seoul inspirierte sie nicht nur bei Tag. Auf der Rückseite ihrer Outfits hat sie die Stadt bei Nacht festgehalten. Rücken und Vorderansicht sind oft unterschiedlich bei ihr.

Doch auch bei ihren Traditionellen Outfits erzählt sie uns eine Geschichte. Mit dem Motiv des weinenden Auges, erinnert sie an die Gisaeng, die zu ihrer Zeit sehr gebildete Frauen wahren, jedoch durch ihre Strengen Regeln oft traurige Liebesgeschichten verbargen.

So nimmt uns Nayeon Kim auf eine Zeitreise durch die Geschichte ihrer Heimatstadt und findet dabei eine neue Interessante Art Mode zu machen.

In Allem eine sehr gelungende Austellung.

Respekt an die Designer.

„Paradox“


„Es war alles Gegenwart, die Zukunft fand ausschließlich in Science Fiction statt“

„The Importance of Being Nothing“

„Zeitreise von Joseon zu Seoul“

MET GALA 2019: „Camp: Notes on Fashion“

Uncategorized

CAMP – Übertreibung, Ironie, Theatralik, Parodie und Extravaganz!

Dies ist das neue Thema der Ausstellung des Costume Institutes, das sich in dem Metropolitan Museum Of Art befindet.
Susan Sontags Essay „Notes On Camp“ (1964) dient als Rahmen der diesjährigen Exposition. Die themenorientierte Ausstellung wird traditionell durch die Met Gala eröffnet, eine der aufsehenerregendsten Benefizveranstaltungen weltweit. 

Timo Martens – Hommage au cliché

Alumni

Timo Martens ist einer der Modedesign Bachelor Absolventen des Wintersemesters 2018/2019 an der HTW Berlin. Seine Abschlusskollektion „Hommage au cliché“ ist inspiriert von seiner Heimat Ostfriesland. Am 1. April stellte er der Hochschule seine Abschlusskollektion im Rahmen eines Showrooms vor. Seine Kollektion besticht durch zeitlose Modelle, aufwändige Stickereien und hochwertige Materialien. Insgesamt flossen ca. 1200 Arbeitsstunden in die Kollektion.

Timo was hat dich zu deiner Kollektion inspiriert?

Meine Heimat ist mit vielen negativen Klischees besetzt. Mit meiner Kollektion beleuchte ich diese Vorurteile von einer anderen Seite und kehre Sie ins Positive um.

Du sagtest, dass es viele negative Klischees über deine Heimat gibt. Wurdest du in der Zeit deines Studiums mit Klischees aus deiner Heimat konfrontiert?

Ja öfter, wenn ich erzählt habe von woher ich komme begegnete mir häufig ein Lächeln. Viele Leute kennen Otto Waalkes und „seinen“ Leuchtturm. Negative Erfahrungen habe ich zwar keine damit gemacht, aber belächelt wird man schon. Viele Menschen kennen Ostfriesenwitze und denken, dass auf dem Land nur Bauern wohnen.

Wie spiegelt sich Ostfriesland in den Outfits wider?

Ich habe für jedes der Modelle Ikonen Ostfrieslands als Inspiration genommen. Das wäre zum Beispiel der knallgelbe Ostfriesennerz, der als Klassiker der Regenmäntel bekannt ist. Außerdem habe ich noch das Fischerhemd und die Ostfriesenrose als Inspiration genutzt. In Ostfriesland trinken viele Leute schwarzen Tee. Hierzu benutzen Sie klassischerweise ein Porzellan mit dem Motiv der Ostfriesenrose.

Allgemein habe ich alle Ikonen in eine Couture Kollektion übersetzt und hier viel mit der Pariser Mode der 1950er und 60er Jahre gearbeitet. Mein Ziel war es die alltäglichen Dinge Ostfrieslands besonders darzustellen.

Ostfriesennerzkleid © Timo Martens / Jonas Friedrich

Du hast in deine Kollektion etwa 1200 Arbeitsstunden fließen lassen. Ich nehme an, die meiste Zeit hast du am Stickrahmen verbracht. Hattest du schon immer eine Passion für Stickereien?

Das kann man so sagen, ich habe schon in der Grundschule gestickt. So richtig hat sich alles aber erst im Studium entwickelt. Seit dem ersten Semester habe ich meine Modelle bestickt. Richtig intensiv flossen im vierten Semester die Stickereien als Hauptmerkmal in meine Kollektion ein. Für meine Bachelorkollektion war daher von Anfang an klar, dass ich fast jedes Modell per Hand besticken werde.

Welches Outfit der Kollektion ist dein Lieblingsmodell und warum?

Das ist gar nicht so leicht zu sagen. Ich finde natürlich alle Modelle schön, aber besonders verbunden fühle ich mich mit dem Blaudruck Outfit. Für dieses habe ich in Jever in einem Atelier Stoffe bedrucken lassen. Mit Hilfe von Indigo wurde der Stoff mit Motiven, die bereits 400 Jahre alt sind bedruckt. Alte Handwerkstechniken sind mir sehr wichtig. Die Jacke habe ich zusätzlich mit Kristallen bestickt, die den „Kluntje im Tee“ (Hochdeutsch: Kandis) im übertragenen Sinne darstellen.

Blaudruckjacke mit Blaudruckkleid © Timo Martens / Jonas Friedrich

Was sind deine Ziele nach dem Bachelor?

Ich habe gerade meinen Master an der HTW Berlin begonnen. Dort möchte ich mich im Bereich Stickerei noch weiterentwickeln. Durch die vielen technisches Möglichkeiten wie zum Bespiel Lasercut, kann man hier modernste Techniken einsetzen um noch ausgefallenere Stickereien zu entwickeln. Langfristig ist es mein Ziel in der Pariser Haute Couture zu arbeiten. In Paris gibt es viele Unternehmen, die gemeinsam mit Manufakturen moderne Stickereien entwickeln.

Für weitere Informationen und Bilder: www.timomartens.com

Instagram: @ateliertimomartens

Der Film zur Kollektion: Youtube